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Parmi les écrivains dont les actes ternissent la réputation littéraire, le cas Louis-Ferdinand Céline, un demi-siècle après sa disparition, demeure sans doute le plus problématique.

Il est particulièrement déstabilisant de penser que celui qui accoucha la littérature moderne au forceps fut aussi le pamphlétaire antisémite des "Beaux draps" de "L'école des cadavres" ou de "Bagatelles pour un massacre". Ouvrages publiés aux périodes les plus troubles de notre histoire.

Nombre d'artistes compromis lors de la seconde guerre mondiale nous semblent aujourd'hui obsolètes, du pompeux Gabriel d'Annunzio au poussiéreux Drieu De La Rochelle. Quelques superbes envolées lyriques chez le premier, une poignée de portraits saisissants chez l'autre suffisent à peine à les sauver de l'oubli le plus complet. L'extrême modernité de Céline, la puissance de son génie, sont paradoxalement les vertus qui le condamnent et le rendent inexcusable.

Que Céline fût antisémite (ainsi que d'ailleurs homophobe et misogyne) avant-guerre est certes choquant, mais compréhensible à défaut d'être acceptable. Une part de l'intelligentsia d'alors l'était sans aucun état d'âme. On en trouve ainsi des traces chez des auteurs à priori peu suspects comme Chesterton ou Cendrars. Ce qui passe mal, en revanche, c'est qu'il maintint une position dès lors criminogène pendant l'Occupation.

Depuis quelques années, il semble que cette énigme littéraire interpelle le monde du théâtre. Après l'estomaquant "Dieu qu'ils étaient lourds", porté par un Marc-Henri Lamande impérial, Denis Lavant endosse avec superbe la défroque de l'ermite de Meudon. "Faire danser les alligators sur la flûte de Pan" (une formulation de Céline lui-même) s'inspire d'une matière abondante : la correspondance de Céline. Tâche d'une ampleur pharaonique que celle qui consiste à organiser une structure théâtrale à partir d'une telle masse, aussi volumineuse qu'hétéroclite. Cela exige tout à la fois une grande rigueur et un certain nombre de partis-pris subjectifs. Un pari risqué pour Emile Brami mais dont l'enjeu vaut la peine : ne pas faire entendre un seul mot qui ne fut de Céline lui-même. Quitte à mélanger des missives d'époques différentes, pour mieux faire toucher du doigt une incontestable unité de pensée, y compris dans l'ignominie.

Denis Lavant incarne de manière magistrale les troublants paradoxes de cet homme de génie. Céline l'écorché vif qu'on admire et déteste ; Céline le maître explorateur des lettres modernes qui en quelques mots nous donne une renversante leçon de littérature et de vie ; Céline le provocateur qui s'attache à se rendre inacceptable aux yeux de tous par des positions extrêmes ; ou qui en quelques phrases lapide les plus grands auteurs de la première moitié du XXème siècle, avec une mauvaise foi réjouissante, bien qu’entachée parfois d’à-priori douteux.

Ces doubles emboîtés l'un dans l'autre, à la manière de poupées russes, prennent place dans le corps frêle de l'acteur. Son jeu s'articule à merveille dans la mise en scène minimaliste mais précise de Ivan Morane qui tire parti du moindre objet, du moindre élément de décor. Un lit, une cuvette, un broc, une chaise deviennent éléments d'un théâtre gestuel dans lequel l'acteur excelle.

Nul ne peut, physiquement, être plus éloigné du romancier de "Voyage au bout de la nuit" que Denis Lavant. Nul ne lui ressemble pourtant davantage sur scène. Une modulation spécifique de la voix, une attitude physique particulière et nous voici transportés dans l'intimité du grand homme.

Lavant appartient à cette catégorie d'acteurs "bigger than life" qui excellent dans le septième art mais peinent à y trouver leur place. Auxquels la magie des planches confère toute leur grandeur. Comédien fétiche de Leos Carax, tournant pléthore de films d'auteurs souvent restés confidentiels, il habite chaque seconde de "Faire danser les alligators …" avec une intensité rare. Vociférant, susurrant, ou adoptant le ton de la confidence, s'occupant de ses affaires tout en nous livrant le fond de sa pensée, c'est peu dire qu'il brûle les planches. Avec une maîtrise pyromaniaque extrême, il les incendie avec une jubilation féroce. Perturbante déstabilisante, drôle parfois, une pièce en tous cas indispensable.

"Faire danser les alligators sur la flûte de Pan" au théâtre de l'Oeuvre pour jusqu'au 11 janvier 2015

Parmi les expressions dont mésuse l'époque, peu m'ont semblé si ridicules, si injustifiées que d'"avoir l'esprit jeune". Je me flatte d'avoir l'esprit vieux, il m'a fallu longtemps pour en arriver là ; c'est une conquête, pas une déchéance.

On tend trop souvent à confondre symboles et réalité de terrain. Un réel particulièrement flexible qui ne saurait correspondre aux certitudes d'hier. A quel âge s'inscrit sur nos fronts cette dénomination discriminante : vieux ? A quarante ? Cinquante ? Soixante ? Soixante-dix ? Personne ne saurait le déterminer avec une extrême précision. Cela dépend toujours du point de vue et de l'interlocuteur.

On confond non moins souvent des qualités essentielles à la vie et celles associées à une tranche d'âge. Curiosité, capacité d'émerveillement ou d'indignation appartiennent, par exemple, à cette catégorie-là.

L'esprit jeune comporte la plupart du temps un corolaire non moins nocif : "il est resté jeune" ou "il est jeune dans sa tête". Franchement, quel intérêt ? Celui qui serait "resté jeune" ou "jeune dans sa tête" ne saurait plus rien apporter à personne. Si jeunes et "vieux" se situent sur un même plan de réalité, adoptent strictement les mêmes codes et les mêmes valeurs à leur expérience du vivant, la transmission intergénérationnelle devient extrêmement complexe. Forme particulièrement perverse du complexe de Peter Pan.

Que dire alors de ces oppositions quelquefois nécessaires à la construction de l'individu ?

On a vu jadis les dégâts du statut "parent-copain" qui a laissé sur le carreau nombre d'adolescents, devenus plus tard "adulescents" sans passer par le stade adulte. On commence tout juste à mesurer les ravages du fameux esprit jeune en termes de maturité et d'équilibre émotionnel.

Pour toutes ces raisons et bien d'autres, refuser définitivement cet encombrant "esprit jeune" me semble pratiquement relever aujourd'hui du devoir civique.

Un autre livre. Encore un. J’évite de m’attarder sur les pensées contradictoires qui peuvent retenir mon geste, m’épargner un nouvel achat, un encombrement de plus. Mes bibliothèques débordent d’ouvrages lus, commencés, feuilletés, relus, ou tout juste déposés sur les étagères. Mais je ne peux déjà plus y renoncer. J’en tripote la couverture du bout des doigts, regarde de nouveau le titre, le nom de l’auteur. Souris imperceptiblement de jubilation coupable, de complicité imaginée.

J’achète des livres, régulièrement. Sentiment de plénitude, évanescent mais très fort. Impression d’incorporer, en même temps que l’objet-livre que j’achète, tout le savoir qu’il contient. De faire miennes les émotions, les fulgurances qui le colorent. Comme s’il suffisait de posséder les feuilles qui en consignent le sens pour en intégrer la portée. Qu’importe qu’elles soient lues ou non, elles sont là, présentes. Potentiellement accessibles. Elles font partie de ma vie.

Je regarde mes étagères, chaque ouvrage est une tête bien-aimée, disponible, prête à s’animer pour répondre au besoin du moment, à une question qui pointe. A un accès de solitude. Je vérifie, me rassure, projette de nouveaux rendez-vous, répertorie, redécouvre, picore des phrases au hasard… Proust, Bataille, Gracq, Montaigne, Apollinaire… ces hommes sont à portée de main, chez moi, avec moi.

Il ne me suffit pas d’aimer certains auteurs : j’ai besoin de leur proximité. Les incorporer autant que je suis possédée par eux. Comme si, faisant partie de mon intérieur, ils finissaient par devenir une part de moi, spirituelle mais aussi charnelle. Matérielle.

Emprunté, un livre perd sa matière, il me tient à distance. Je le lis comme on rendrait visite à un étranger ; avec plaisir, mais tout en retenue. Et certaines catégories résistent à cette légèreté. Les essais, les correspondances, la poésie, la « grande » littérature… je traverse alors le livre dont je sais devoir me séparer. Je le parcours avec une certaine hauteur, pour ne pas m’y attacher, tout en me promettant de l’acheter dès que possible.

C’est ce même doute qui m’assaille à la sortie de la librairie. Et un bombardement de questions oiseuses à ce stade. Elles n’ont pas été posées au bon moment, confirmation que la justesse est aussi une histoire de pertinence temporelle. A moins que ce ne soit leur caractère spécieux qui les autorise soudain à éclater de mille feux. Si c’était un livre de trop ? Où trouver le temps de lire ? Je l’ai peut-être déjà ? Pourquoi l’ai-je acheté ? Je vais le mettre où, celui-là ?

Il est déjà chez moi. Et en fonction de la valeur impalpable mais non moins précise que je lui octroie, je lui réserverai telle ou telle place. L’éclatement spatial des livres est une constellation de mon intimité avec leurs auteurs.

Il y a ceux qui dorment à mes côtés, dont je caresse de temps en temps certaines pages, comme ces photos que l’on regarde parfois pour raviver des présences à plat. Place de haut choix, fusion si l’on veut. Seraient-ils plus résistants, je les mettrais dans mon lit.
Privilégiés aussi, les livres à ma droite, dans le bureau. A portée de main, de regard. Ce sont des textes où l’auteur s’expose, se donne. Pensées, journaux, poèmes, correspondances… Ou les dictionnaires et outils de travail. Tout près aussi. Le plus près possible, les grands écrits. Littérature qui donne toute son importance à la langue ou à la pensée.

Le plus près possible, non sans regretter à chaque fois d’avoir à éloigner de moi tel ou tel livre sous la contrainte de l’espace, qui me fixe des limites physiques et impose le réagencement permanent de ces objets aussitôt fétichisés.

Puis il y a le reste. Avec une hiérarchie précise comme un nuancier de couleurs, mais comme lui, sans scission tranchée. Les étagères du haut, celles du bas, l’autre extrémité… là s’entassent les autres livres. Ceux que j’aime bien.

Moins visibles, de moins en moins visibles, sous les autres, derrière, dans des placards fermés… les auteurs que j’apprécie encore moins. Ou ceux que je ne suis pas fière d’avoir lus. Ceux que je ne toucherai plus.

Mon sac pèse de ma nouvelle acquisition. Et je ne peux m’empêcher de penser que ce que j’aime, ceux que j’adore sont aussi encombrements dans ma vie. Source de joie, mais aussi d'envahissement. A eux, toute la place.

Longtemps je me suis défié de Djian … Etait-ce sa "gueule d'atmosphère", si proche de l'image type du "beau ténébreux" qu'elle eût pu s'afficher sans peine en poster dans la chambre d'une ado goth ? Sa surmédiatisation, parfois proche de l'overdose, par des journalistes persuadés d'avoir découvert le Bukowski français , en outre "présentable" ? Bien sûr, tout cela participa sans doute à un certain agacement de ma part, d'où découlait une sorte de distance.

Ce ne furent pourtant pas les raisons principales de ma mise en quarantaine littéraire de l'auteur de "37°2 le matin". L'élément déclencheur fut la lecture des premières pages de "Sotos". La désagréable sensation d'assister à un démarquage parfois proche du copié/collé du début de "La route de Los Angeles". Parmi ceux qui, consciemment ou non, ont suivi les nouvelles perspectives d'écriture ouvertes par les livres de John Fante, je trouvais Ravalec autrement plus doué. Evitant avec brio la caricature comme la photocopie, traçant une voie stylistique originale et racée, poussant sa recherche dans d'autres directions et ne se laissant pas écraser par son glorieux inspirateur.

Je n'ai jamais rouvert "Sotos" et j'ai déserté Djian. Les années s'écoulèrent. Philippe Djian avait perdu son statut de "phénomène de mode" mais il était toujours là. Et progressivement le doute m'ébranla. N'étais-je pas passé à côté de quelque chose d'important ? Et s'il fallait se choisir des modèles pour en pomper la substantifique moelle, Fante ne valait-il pas mieux après tout que Guy Des Cars ? Philippe Djian avait, pour le moins, bon goût quant à ses sources d'inspiration.

Ainsi, de fil en aiguille, en suis-je venu à me pencher de nouveau sur le cas Djian. Sans souci chronologique. Ne pas nécessairement m'attaquer au plus récent, ni au plus connu de ses livres. Je décidai d'effectuer une réactualisation de mes connaissances djianesques en douceur, commençant par ses histoires courtes. "Crocodiles" et "50 contre un" ébranlèrent sérieusement mes réticences initiales. Recueils inégaux certes (à l'instar de ceux de Vincent Ravalec) mais où brillent quelques purs diamants.

Principalement lorsque l'auteur omet de vouloir à tous prix mixer et synthétiser John Fante et Bukowski dans un même récit (en gros, on boit beaucoup pour oublier que l'existence est décevante et l'on glorifie les perdants dans une époque où "gagner" c'est se perdre). Alors le verbe s'écoule, fluide toujours, éblouissant parfois, avec un sens de la formule qui n'a plus rien de la pose, mais donne un poids de chair à des personnages aux prises avec les petites ironies de la vie.

J'ai senti l'erreur de mon jugement premier : loin d'être le moine copiste de la littérature qui cogne et vous empoigne, l'auteur voyait sa propre créativité, réelle, étouffée sous le poids de ses idoles. Quand il s'en affranchissait enfin, son écriture pouvait prendre toute sa place et toute son ampleur. Ainsi de grands artistes ont-ils vu leurs débuts compromis par une trop grande déférence à leurs maîtres.

Il ne me restait plus qu'à effectuer le grand saut : passer sur le versant romancier de notre homme. Le hasard a voulu que je tombe sur "Echine". Ce fût un livre estomaquant, rempli jusqu'à la gueule de choses bouleversantes, sans pour autant jamais donner de sentiment de saturation. La couleur sombre y est naturellement présente, mais elle est toujours sous-jacente, et ne se présente jamais en tant qu'unique possible.

Autour d'une histoire minimale, Djian dessine une galerie de personnage plus vrais que nature, qui nous deviennent soudainement très proches, y compris les moins propices à l'empathie. Pas un instant, nous ne décollons du récit de leurs heurts et malheurs. Djian mêle habilement un lyrisme discret à une approche plus directe, plus frontale du lecteur (celle précisément initiée par Fante et prolongée par Bukowski). Un style toujours au service du propos, conférant une incroyable densité à chacun de ses anti-héros. Fourmillant de réflexions percutantes, pertinentes et impertinentes à la fois, sur la littérature, la complexité des relations amicales entre personnes de sexe opposé, l'éducation des enfants, le romancier ne truque pas. Se refusant à sacrifier à la légende urbaine de l'écriture sèche comme à céder aux sirènes du pathos, il parvient sans ces deux béquilles à susciter de puissantes émotions, qui vous empoignent au détour d'une phrase ou d'une scène du livre.

A l'heure où s'amplifie un débat en sourdine (littérature "de gare" ou littérature tout court ?) peut-être serait-il temps de prendre du recul. S'il ne se hisse guère aux hauteurs des écrivains qu'il révère (ce qu'on ne saurait reprocher à quelqu'un qui admire Hemingway, Faulkner et Brautigan) Djian a de la gueule ou du style, ce qui en temps de paupérisation romanesque, n'est guère chose à négliger.

Dans l'art complexe du conte cruel, David Cronenberg excelle. Métissage ébouriffant de Grimm, de Bukowski et de la tragédie grecque. Malédictions familiales, héros déchus, êtres condamnés par avance s'y télescopent en de violentes catharsis.

Une "tradition" que le cinéaste canadien a solidement contribué à établir, et dont il livre avec "Maps to the stars" une brillante démonstration, incorrecte et jubilatoire jusqu'à la dernière seconde.

D'une fluidité parfaite, sans un seul instant de trop, parcourue de sombres fulgurances et portée par une direction d'acteurs au cordeau, "Maps to the stars" s'offre pourtant le luxe de savoureux "private jokes". Cronenberg y cite dans un même élan ses inspirateurs et ses héritiers. Ceux dont l'œuvre n'aurait pu accéder à la lumière du jour si le réalisateur n'avait, depuis quelques décennies, joué les défricheurs acharnés avec ses dérangeants et déstabilisants opus.

Que ses personnages ayant perdu toute valeur morale ou éthique, déconnectés du sens de la réalité semblent sortis tout droit d'un roman de Bret Easton Ellis ne doit probablement rien au hasard. Pas davantage que de convoquer John Cusack, l'acteur des "Arnaqueurs" (inspiré du roman de Jim Thompson, maître du roman noir s'il en est) et, Mia Wasikowska vue récemment dans "Stoker" de Park Chan Wook.

Un peu comme si le maestro du noir venait donner une leçon de ténèbres à ses enfants illégitimes. Car le créateur de "American Psycho" comme le metteur en scène de "Old Boy" ont, qu'elle soit assumée ou non, consciente ou non, une dette envers le créateur de "Chromosome 3", de "Faux semblants" et de "Dead Zone".

Une partition sans fausse note, portée par des interprètes dont Cronenberg a su extraire la substantifique moëlle. Julianne Moore, que l'on a rarement vue aussi investie, aussi habitée par son personnage. Exposée, vulnérable, terrifiante, renversante d'un bout à l'autre.

Mia Wasikowska, aussi scotchante, voire davantage que dans "Stoker". Elle est la briseuse de miroirs, l'arracheuse de masques qui révèle chacun à sa vraie nature. Elle évoque tout à la fois la douceur et le danger ; inspire la peur et la compassion.

Ex-enfant star et pré-ado odieux, le personnage incarné par Evan Bird arrive aussi à nous toucher quand il se révèle nu et écorché, perdu sans le moindre point de repère. Le jeune acteur se montre tout à fait exceptionnel dans ce rôle.

Sans être déshonorante, loin s'en faut, la prestation de Robert Pattinson pâtit quelque peu de la présence de tels monstres de cinéma.

Nous rendre évidentes les passerelles entre artistes de nationalités et d'époques différentes ; élargir notre compréhension d'un peintre que nous pensions connaître en l'abordant sous un angle inédit ; mettre en relief un courant artistique, une période de l'histoire de l'art et les pulsions qui l'animaient : tels devraient à mon sens être les objectifs premiers de toute exposition thématique qui se respecte.

Quant aux œuvres plastiques de l'insurgé de Rodez, elles se limitent à peine à la "portion congrue". Tout juste une dizaine s'étoilant sur un mur.

Comme s'il s'agissait d'un cousin scandaleux isolé dans un coin de la salle où se tient le festin.

Choisir une thématique à risques et refuser d'en prendre aucun : C'est le dérangeant paradoxe de cette expo sans fond ni forme.

Pascal Perrot, texte
Gracia Bejjani-Perrot, graphisme

Premier né d'une grande famille d'asociaux haut en couleurs, Raymond Calbuth est l'une des créatures les plus étranges qui soient. Croisement improbable de Candide, des Bidochon et d'Ignatius Reilly ("La conjuration des imbéciles"), l'incident le plus banal devient, avec lui, une épopée digne de l'Odyssée. Champion du décorticage de vache qui rit -ah, la fameuse languette rouge…-, c'est un aventurier du quotidien "on ne sait jamais où je serai… tantôt dans la cuisine, tantôt dans le salon, tantôt dans l'entrée", bat régulièrement ses propres records d'endurance sexuelle - lesquels se comptent en secondes- et déclare à son épouse "jamais plus de cinquante ans avec la même femme".

Les petits déjeuners prennent l'allure de parties d'échec où le déplacement du beurrier peut vous prendre par surprise. La machine à laver qui tourne ou le poulet qui rôtit - il n'avait aucune chance dès le début- sont des spectacles que les Calbuth suivent avec passion.

Peignoir rouge matelassé, grosses lunettes, quelques cheveux épars sur le haut du crâne, Raymond Calbuth est un retraité frénétique, qui chasse le chariot sauvage dans les supermarchés ou fait de la plongée sous-marine dans sa baignoire. Attention aux seuils de décompression ! Dans ses grandes envolées lyriques, Calbuth évoque parfois Achille Talon, mais sa distorsion permanente du réel en ferait plutôt le cousin tendre de Léon La Terreur.

Raymond forme avec Monique un couple amoureux et solide. Elle accepte avec bonhomie son machisme tranquille et le suit dans chacune de ses aventures, même et surtout les plus improbables. Elle y ajoute parfois le grain de sel de son bon sens terrien. Jamais cependant elle ne sous-estime l'importance des enjeux fixés par lui qui, en retour, lui témoigne chaque jour son affection, fût-ce sous les formes les plus délirantes.

Le symbole de leur amour : leurs deux dentiers baignant dans le même verre.

Les Calbuth sont comme des enfants réinventant le monde à chaque instant. Le supermarché devient une jungle où toutes les odyssées prennent corps. Il n'est pas rare d'y croiser des caddies à l'état sauvage.

Chaque micro-événement devient, dans l'existence des Calbuth, l'occasion d'une turbulente saga. Le petit-déjeuner, sur une table en damier, se métamorphose en partie d'échecs. Une tartine trempée dans le bol, une cuillère avancée peuvent remettre en cause la victoire de Raymond. Le diner avec les voisins devient "concours de discussion". Et lorsque ça chauffe un peu trop entre USA et URSS, on peut faire confiance en Calbuth pour ramener les deux grands à la raison. D'ailleurs, le silence dont ils honorent ses lettres est éloquent.

Monique Calbuth, en dépit des apparences, est loin d'être un faire-valoir. Un amour sincère et profond l'unit à son seigneur en pantoufles. Elle est son facteur d'équilibre et sait le ramener en douceur au réel quand ses délires prennent trop d'ampleur.

Les Calbuth, comme tous les personnages de Tronchet, sont socialement et géographiquement situés, ce qui confère une vérité, une densité, une crédibilité étonnantes à leurs extravagances. Comme les Poissart et Jean-Claude Tergal, qu'ils croiseront d'ailleurs brièvement, ils habitent Ronchin, commune du Nord sise dans la banlieue lilloise. Et s'il est peu probable que vous y croisiez les Calbuth, ceux-ci demeurent à la cité ce que Tarascon est à Tartarin : une carte d'entrée dans les mythes et légendes de notre époque.

L'ONJ version Olivier Benoît est une fabuleuse bête hybride, composite ébouriffant des musiques qui ont secoué le XXème siècle. On s'étonne de sa souplesse, de sa prodigieuse énergie. Aucune trace de "couture"; les articulations fonctionnent avec une belle fluidité. L'Orchestre National de Jazz adopte dès lors une forme relativement inédite : il n'est plus seulement passeur des grandes compositions passées, ni étendard d'une musique actuelle. L'ONJ jette un pont non seulement entre des musiques que tout oppose apparemment, mais suit sans s'essouffler une ligne droite qui va du passé au futur.

Toutes les formes de jazz sont là, des plus séduisantes aux plus rudes : jazz post-coltranien, jazz fusion, jazz-funk, électro-jazz, jazz-rock, mais également le free le plus pur. Ce qui amène naturellement à flirter avec la musique contemporaine. Et pourtant…

Tout en multipliant les ruptures de ton, Olivier Benoît conserve une remarquable homogénéité. On comprend vite que le voyage sera parfois mouvementé, qu'il comprendra des accidents de parcours, mais on a envie de suivre jusqu'au bout cette étrange odyssée, portés par la tonicité sans failles de son dynamique équipage.

Sur scène, l'hydre à onze têtes prend toute son ampleur. Elle déploie avec majesté ses souples anneaux et, fascinés nous l'observons dans toute sa miraculeuse monstruosité. Olivier Benoît s'entend à structurer un chaos en trompe-l'œil pour nous offrir de violentes merveilles. Au sein de ce corps composite, chaque instrument, d'abord transfondu dans la masse, affirme son identité.

Théo Ceccaldi, au violon et alto, aux faux airs de savant fou s'envole dans des exubérances quasi-paganiniennes. Bruno Chevillon extrait de sa contrebasse et de sa basse électrique des sons inouïs, toujours sur le fil du rasoir entre jazz classique et musiques contemporaines, un entre-deux sur lequel il danse tel un funambule. Eric Echampard, à la batterie sait se faire tour à tour percussif ou caressant, s'effacer ou exploser en magnificences exaltées.

La section cuivres n'est pas en reste. Langoureux, dissonants, déchainés, distillant tour à tour l'amour et l'inquiétude, la joie et la tristesse, Fabrice Martinez (trompette, buggle et saxhorn) et Fidel Fourneyron (Trombone et tuba) repoussent les limites du souffle et du son.

Jean Dousteyssier (clarinettes et saxophone ténor) et Hugues Mayot (saxophones et clarinette) s'imposent par paliers successifs, chaque niveau étant d'une intensité supérieure au précédent.

Confinés en début de concert à un rôle le plus souvent dévolu à la contrebasse, celui de la ponctuation sonore, dont ils s'acquittent à merveille, ils ne laissent en rien présager le feu d'artifices acoustique auquel ils ne tarderont pas à nous convier.

Du jazz classique au free, du stravinskien gouleyant au bebop, ils mélangent et superposent les strates d'audition avec une totale homogénéité.

A leurs côtés, les saxophones de Alexandra Grimal, dont le souffle semble souligner l'action musicale avant de littéralement exploser en un solo d'anthologie.

Le piano de Sophie Agnel passe avec élégance de la caresse au coup de griffe, du chuchotement au hurlement, de la joie à la panique. Entre ses mains, il devient être vivant et machine de guerre. Toucher fluide ahmadjamalien et expérimentations johncagiennes se chevauchent sans s'annihiler.

Presque crossover un instant, la voici le suivant penchée sur les cordes qu'elle triture, malaxe, pince, martèle...

pour en extraire des sons d'animal écorché et de folie urbaine.

Au sein de cet univers foisonnant, les claviers de Paul Brousseau et la guitare d'Olivier Benoît semblent demeurer un point focal de stabilité. Comme un contrepoint au déchaînement des forces musicales.

Solides, presque classiques dans leur approche jazzistique. Et paradoxalement, assurent la cohésion de l'ensemble.